El ingeniero explica la organización de su sesión de mezcla en Studio One, con unas 65 pistas agrupadas por colores: batería (rojo), bajo (morado), guitarras (amarillo), voces (rosa) y diseño sonoro (azul). Describe la disposición del apartado de edición y el mezclador, donde se realizan los ajustes de niveles, procesamiento y efectos.

Detalla el uso de buses para agrupar pistas y facilitar el procesamiento. Explica su preferencia por usar faders VCA para automatizaciones, lo que le permite hacer ajustes generales sin afectar las curvas de automatización individuales. Menciona la importancia de usar marcadores para navegar rápidamente por las diferentes secciones de la canción. Finalmente, indica que trabaja a 48 kHz y 24 bits, y destaca la importancia de configurar el tono y tempo de la canción para ciertos efectos y procesos.

Vemos el proceso para definir tu mixbuss al inicio de una mezcla. Esto implica aplicar procesamiento al bus maestro para unificar el tono y la dinámica general de la mezcla.

Se utilizan varios plugins:
1. Un compresor multibanda en paralelo para equilibrar frecuencias y dinámica.
2. Un ecualizador para definir mejor ciertos elementos y desenturbar el sonido.
3. Un saturador para añadir compresión y armónicos, creando cohesión.
4. Limitadores para aumentar el volumen general y comparar con referencias.

Este proceso ayuda a establecer un punto de partida para la mezcla, permitiendo tomar decisiones más informadas al procesar pistas individuales. El ingeniero enfatiza la importancia de alternar entre ajustar el bus maestro y las pistas individuales, creando un "juego de contrapesos" para lograr el resultado deseado. Los limitadores se desactivan antes de enviar a mastering.

El ingeniero comienza destacando que la batería suele ser lo primero en la mezcla debido a su complejidad. Se menciona la importancia de limpiar ciertas partes, especialmente los toms, para evitar que los platos pasen por el mismo procesamiento. Se describe una técnica para limpiar los toms usando ecualización y edición.

El autor habla sobre la fase de los micrófonos, explicando que es un tema controvertido y que lo mejor es juzgar con el oído. Se menciona la inversión de fase en los aéreos y en el micrófono de caja inferior.

El video explica el proceso de mezcla de una batería de rock, utilizando un método de mezcla inversa que va de lo general a lo particular. Se detalla el procesamiento del bus de batería y luego de cada elemento individual:

- Bus de batería: Uso de saturación, ecualización y compresión multibanda para dar punch y agresividad.

- Bombo: Se aplica puerta de ruido, compresión y saturación para un sonido más moderno y electrónico.

- Caja: Combina la señal orgánica con un trigger, usando compresión y saturación.

- Aéreos y room: Proporcionan consistencia y espacialidad al sonido general.

- Toms: Reciben procesamiento creativo con reverb y eliminación de resonancias.

Se enfatiza la importancia de escuchar todos los elementos juntos al tomar decisiones, y que cada elección tiene un objetivo específico en el sonido final. El enfoque busca un equilibrio entre un sonido de rock moderno con toques electrónicos, manteniendo el realismo de la batería acústica.

El capítulo trata sobre la grabación y procesamiento del bajo eléctrico en una canción. Se utilizan dos pistas de bajo: una limpia y otra distorsionada, ambas enviadas a un bus con un compresor 1176 para compactar el sonido. La pista distorsionada usa un plugin para añadir distorsión y simulación de pantalla (cabinet), dando un sonido más agresivo típico del rock y metal. 

Se aplica compresión adicional sincronizada con el bombo y los toms para dar espacio a estos elementos. Hay dos envíos de efectos: uno para añadir "suciedad" y "garra" al sonido, y otro para reforzar el subgrave. 

El bajo se duplica en dos pistas para poder variar la intensidad entre las diferentes partes de la canción, creando más impacto en la segunda vuelta del verso. El autor enfatiza la importancia de tener un sistema de escucha adecuado para trabajar con frecuencias graves.

Aprenderás a afrontar el procesamiento de guitarras eléctricas en una sesión de mezcla. Se utilizan diferentes buses para agrupar guitarras según su función (estribillo, verso, efectos, etc.). El sonido principal proviene del seteo del amplificador, con mínimo procesamiento adicional.

Se emplean plugins como CLA-76, Supercharger GT y ecualizadores para ajustes sutiles. Las guitarras rítmicas se doblan y panean para crear un "muro de guitarras" sólido. Se utilizan efectos creativos como filtros, delays y reverbs en ciertas partes. El ingeniero enfatiza la importancia de grabar bien desde el principio. Se mencionan técnicas para guitarras abiertas, palm mutes y solos.

También se incluye una breve mención sobre el uso de una guitarra acústica en el puente de la canción, grabada de manera improvisada y filtrada para cumplir una función específica en la mezcla.

El capítulo aborda el procesamiento de voces en la mezcla. Se enfatiza la importancia de una buena grabación inicial y afinación. El procesamiento principal se realiza en el bus de voces, incluyendo ecualización, de-essing, compresión multibanda y eliminación de resonancias. Se utilizan varios efectos creativos como reverbs, delays y distorsión para dar textura y amplitud a las voces. 

Se explica el uso de plugins como Melodyne, Autotune, Pro-Q, Ozone Dynamics o Soundtoys. Se destaca la importancia de la automatización para aplicar efectos en momentos específicos.

El enfoque es lograr voces presentes y frontales, controlando frecuencias problemáticas y añadiendo densidad. Se utilizan técnicas como compresión sidechain en reverbs y delays para mantener la claridad. El proceso implica mucha experimentación y decisiones creativas para lograr el sonido deseado en cada parte de la canción.

Nos centramos en los elementos de diseño sonoro y layers finales. Se mencionan varias pistas individuales, incluyendo un fill de batería programado, sintetizadores y samples. El productor explica cómo procesó cada pista usando diferentes plugins y efectos como Kraftur para saturación, Pro-Q para ecualización, y reverbs para crear ambiente. 

Se destaca el uso de automatizaciones para crear sensación de crecimiento y amplitud en ciertos sonidos. También se mencionan decisiones creativas como mantener elementos de la maqueta original (guitarras programadas) y añadir capas de sintetizadores y coros para dar densidad.

El capítulo concluye mencionando que estos elementos de diseño de sonido se añadieron al final del proceso de producción como puntos de refuerzo.

A través de VCAs, Estas automatizaciones incluyen ajustes de volumen y efectos, y se realizan siguiendo el "feeling" y las sensaciones del mezclador. Se dan ejemplos como bajar el volumen de la voz en los estribillos cuando hay menos instrumentos, o ajustar la reverb de los elementos aéreos para que "explote" más en ciertas partes.

Estos ajustes son sutiles y se basan en el sentido común y el gusto personal. El objetivo es crear microdinámica en la canción, permitiendo que respire en ciertos momentos. Se mencionan automatizaciones específicas para la batería, delays creativos y otros elementos.

En general, se presenta la automatización como una herramienta crucial para dar vida y movimiento a la mezcla, siempre guiada por la sensibilidad auditiva del ingeniero de mezcla.